로만 폴란스키

폴란드 출신의 영화감독, 각본가, 프로듀서, 배우로, 20세기 후반과 21세기 초반 영화사에서 가장 영향력 있는 감독 중 한 명으로 평가받는다. 유년기부터 제2차 세계대전과 홀로코스트를 경험하며 강한 심리적 트라우마를 겪은 그는, 이러한 경험을 바탕으로 공포, 서스펜스, 인간 심리의 어두운 면을 탐구하는 독특한 영화 세계를 구축하였다.

폴란스키는 우치국립영화학교에서 정식 영화 교육을 받았으며, 초기 단편 영화들로 유럽에서 주목을 받았다. 이후 헐리우드에 진출하여 《로즈메리의 아기》, 《차이나타운》 등 세계적으로 유명한 작품을 제작하며 국제적 명성을 얻었다. 그러나 사생활과 법적 문제로 인해 논란의 중심에 서기도 하였으며, 이러한 논쟁과 그의 작품 세계는 종종 분리되어 평가되기도 한다.

폴란스키는 20세기 후반과 21세기 초반을 아우르는 세계적인 영화감독이자 각본가, 프로듀서, 배우로, 그의 이름은 단순히 영화계에서의 업적뿐만 아니라 삶과 작품을 둘러싼 논란으로도 널리 알려져 있다. 폴란스키는 1933년 파리에서 출생하였으며, 어린 시절을 폴란드에서 보냈다. 그는 제2차 세계대전 중 크라쿠프 게토에서 살아남는 등 극도로 힘든 유년기를 보냈으며, 이러한 경험은 그의 영화적 주제 의식과 작품 전반에 지대한 영향을 미쳤다[1]. 이러한 배경은 폴란스키가 인간 내면의 불안과 공포, 인간 관계의 복잡성을 탐구하는 작품 세계를 구축하게 하는 원동력이 되었으며, 그의 영화는 종종 인간의 본성과 사회적 억압, 심리적 긴장을 치밀하게 드러내는 방식으로 전개된다.

폴란스키는 우치국립영화학교에서 체계적인 영화 교육을 받으며 단편 영화와 실험적인 연출을 통해 초기 경력을 쌓았다. 그는 유럽 영화계에서 주목받으며, 곧바로 독창적인 연출력과 특유의 시각적 감각을 인정받았고, 1960년대 후반에는 헐리우드 진출을 통해 세계적 명성을 얻었다. 특히 1968년작 《로즈메리의 아기》는 그의 이름을 국제적으로 알린 대표작으로, 공포와 심리적 서스펜스를 결합한 영화적 스타일을 정립하며 현대 영화사에 큰 영향을 끼쳤다. 이 작품은 단순한 공포 영화가 아니라, 현대 사회의 불안과 인간 심리의 어두운 면을 상징적으로 드러내는 서사적·미학적 실험으로 평가된다.

그러나 폴란스키의 경력은 예술적 성취만으로 정의되지 않는다. 그는 개인적인 삶과 관련된 여러 논란, 특히 1977년 미국에서의 성범죄 사건과 관련한 법적 문제로 인해 국제적인 관심과 비판을 동시에 받았다. 이러한 사건은 그의 헐리우드 활동을 사실상 중단시키고 유럽에서의 영화 제작으로 방향을 전환하게 만들었다. 폴란스키는 이후 프랑스를 중심으로 활동하며, 《피아니스트》, 《테스》 등 여러 작품을 통해 다시금 영화적 명성을 회복하였다. 그의 영화는 종종 인간의 내면적 갈등, 외부 세계와의 충돌, 인간 존재의 불안정성 등 심리적 주제를 중심으로 전개되며, 독창적인 카메라 워크와 음향, 장면 구성으로 독자적인 미학적 정체성을 형성한다.

폴란스키는 예술적 성취와 함께 사회적·윤리적 논란의 중심에 서 있는 인물이라는 점에서 영화사적 평가가 복합적이다. 그의 작품은 비평가들로부터 극찬을 받는 한편, 그 자신에 대한 윤리적 판단과 논쟁은 현재까지도 이어지고 있으며, 이러한 양면성은 그의 영화와 삶을 동시에 이해하는 데 중요한 요소로 작용한다. 그는 예술적 천재성과 인간적 결함, 사회적 논란을 동시에 갖춘 감독으로서, 오늘날까지 전 세계 영화인들에게 영향력 있는 존재로 남아 있다[2].

폴란스키는 1933년 8월 18일 프랑스 파리에서 태어났으며, 본명은 '라이문트 로만 티에리 폴란스키'이다. 그의 부모는 폴란드계 유대인으로, 아버지 레온 폴란스키는 건축사였고 어머니 바바라 로젠 출생 시에는 예술적·문화적 관심을 가진 가정 환경에서 성장하였다. 폴란스키의 가족은 제2차 세계대전 이전까지 파리와 폴란드 양쪽을 오가며 생활했으며, 어린 시절부터 다문화적 환경과 유럽의 전통적 유대인 문화 속에서 성장하였다. 그러나 1939년 독일의 폴란드 침공과 홀로코스트의 전개는 그의 어린 시절을 극적으로 바꾸어 놓았다[3].

폴란스키는 어린 시절 대부분을 폴란드 크라쿠프에서 보냈으며, 이 시기에 유대인으로서의 정체성과 생존의 문제를 동시에 체감하였다. 가족은 나치 점령으로 인해 흩어졌고, 그의 어머니는 아우슈비츠 수용소에서 희생되었으며, 아버지 또한 강제 수용소를 거쳐 간신히 생존하였다. 이러한 비극적인 경험은 로만에게 깊은 트라우마를 남겼고, 이는 그의 영화적 세계관과 인간 심리를 탐구하는 방식에 지속적으로 반영되었다. 폴란스키는 어린 시절의 이러한 경험을 숨기며 살아야 했고, 숨어 다니며 생존하는 과정에서 타인과의 관계, 공포, 배신과 신뢰에 대한 복합적 감정을 체험하였다. 그는 이후 여러 인터뷰와 회고에서 “어린 시절의 불안과 죽음에 대한 체험이 내 영화 속 공포와 서스펜스의 근원”이라고 밝히기도 했다[4].

그의 가족 배경은 유대인 정체성과 폴란드·프랑스 문화가 결합된 독특한 환경이었다. 부모는 교육열이 높았으며, 특히 어머니는 음악과 문학에 조예가 깊어 어린 로만에게 다양한 예술적 경험을 제공하였다. 이러한 환경은 폴란스키가 단순 생존을 넘어 예술적 감수성을 개발하도록 이끌었으며, 이는 후에 영화감독으로서의 길을 선택하게 되는 기반이 되었다. 또한 폴란스키는 유년기에 접한 폭력과 사회적 불안정, 인간의 잔혹성과 불합리함을 관찰하며, 이를 작품 속에 심리적 긴장감과 서스펜스 장치로 구현하는 능력을 길렀다.

전쟁이 끝난 후 폴란스키는 우치국립영화학교 입학 전까지 크라쿠프에서 성장했으며, 유년기의 이러한 체험은 그의 초기 단편 영화에서부터 명확하게 드러난다. 어린 시절 가족과 주변인들, 생존 경험, 그리고 사회적 억압 속에서 형성된 감정과 시각은 그의 작품 세계 전반에 깊게 스며들어 있다. 그의 영화 속 어두운 분위기, 인간 심리의 취약성과 불안, 공포와 긴장은 단순한 영화적 장치가 아니라, 실제 체험에서 비롯된 현실적 감각에서 출발한 것이다. 이는 로만 폴란스키를 단순한 감독이 아니라, 자신의 삶과 경험을 작품 속에 정교하게 투영하는 예술가로 평가하게 만드는 중요한 배경이다[5].

그의 어린 시절과 가족 배경은 이후 영화 세계관의 근간이 되었으며, 공포, 서스펜스, 인간 내면의 어두운 측면을 탐구하는 장치로 끊임없이 재현되었다. 이러한 배경은 단순히 소재적 차원을 넘어, 폴란스키 영화의 심리적 깊이와 몰입도를 형성하는 핵심 요소로 작용하였다.

폴란스키의 유년기는 20세기 유럽을 뒤흔든 제2차 세계대전과 홀로코스트라는 극단적 역사적 사건 속에서 생존을 강요받는 시기였다. 1939년 독일군이 폴란드를 침공하자 그의 가족은 나치 점령지에서 도망치거나 숨어 살아야 했으며, 어린 로만은 극심한 공포와 불안 속에서 성장했다. 그는 가족과 함께 게토 안팎을 오가며 숨어 다녀야 했고, 하루하루가 생존을 위한 투쟁이었다. 이러한 경험은 인간의 잔혹성과 운명의 불확실성을 직접 목격하는 계기가 되었으며, 이후 그의 영화에서 반복적으로 등장하는 공포와 불안의 근원으로 자리 잡았다. 어린 시절 체험한 죽음과 폭력, 배신과 생존에 대한 강박적 긴장은 로만에게 깊은 심리적 트라우마를 남겼으며, 이는 성인이 되어 감독으로서 자신의 작품 세계를 구축할 때 지속적으로 반영되었다.

폴란스키는 전쟁 중 어머니를 아우슈비츠 수용소에서 잃고, 아버지 또한 수용소를 거쳐 살아남았지만 가족 전체가 겪은 상실과 공포는 그의 삶 전체에 깊은 그림자를 드리웠다. 어린 시절의 이러한 체험은 단순한 기억이 아니라, 인간 존재와 죽음, 공포의 본질에 대한 지속적인 질문을 남겼다. 그는 나중에 인터뷰에서 “어린 시절 겪은 극한 상황이 내 영화의 공포와 서스펜스를 정의한다. 인간이 느끼는 불안과 절망을 이해하지 못하면 영화는 무의미하다”라고 밝힌 바 있다.

전쟁 시기 생존은 단순히 신체적 안전만을 위한 투쟁이 아니었다. 폴란스키는 숨어 다니며 식량과 거처를 확보해야 했고, 주변 사람들의 호의와 배신 사이에서 끊임없이 판단하고 결정해야 했다. 이러한 경험은 인간 심리의 복잡성과 불확실성을 일찍이 학습하게 만들었으며, 그의 영화 속 인물들이 겪는 심리적 압박과 극한 상황에서의 행동 양식에 깊이 연결된다. 특히 《피아니스트》에서 주인공이 전쟁 속에서 생존을 위해 겪는 정신적 긴장과 공포, 그리고 인간 관계 속 불신과 배려는 로만 자신의 경험과 거의 일치하는 사실적 심리 묘사로 평가된다[6].

폴란스키의 트라우마는 단순히 과거의 사건으로 끝나지 않았다. 어린 시절의 공포와 불안을 영화적 언어로 표현하는 방식은 이후 그의 작품 전반에 걸쳐 반복되었으며, 이를 통해 관객에게 심리적 긴장과 몰입을 전달하는 장치로 사용되었다. 전쟁 시기 체험은 그의 영화에서 공포와 서스펜스를 단순한 극적 장치가 아닌, 인간 존재의 본질과 불안, 죽음과 생존을 탐구하는 주제로 확장시키는 계기가 되었으며, 폴란스키 영화의 독창성과 몰입감을 형성하는 근본적 원동력이 되었다.

이 시기의 경험은 또한 그의 인간관과 사회관에도 영향을 미쳤다. 그는 어린 시절 겪은 극한의 상황을 바탕으로 인간의 본성과 사회 구조, 권력과 폭력의 관계를 깊이 이해하게 되었으며, 이는 그의 작품 속에서 반복적으로 등장하는 주제—권력과 억압, 인간 내면의 갈등, 도덕적 모호성—의 근거가 된다. 전쟁과 생존 경험은 단순히 폴란스키 개인의 트라우마를 넘어, 현대 유럽 역사와 문화, 그리고 영화사에서 심리적·미학적 의미를 동시에 갖는 요소로 자리 잡았다.

전쟁이 끝난 후, 폴란스키는 유년기의 극심한 트라우마와 상실의 경험을 바탕으로 예술적 감수성을 발전시키기 시작했다. 그는 폴란드에서 성장하며 학업과 동시에 예술적 관심을 키웠고, 특히 시각 예술과 연극, 문학에 깊은 흥미를 보였다. 이러한 경험은 이후 영화감독으로서 그의 창작적 정체성을 형성하는 데 결정적 역할을 했다[7]. 1950년대 초반, 그는 우치국립영화학교에 입학하여 본격적으로 영화 교육을 받기 시작했다. 폴란스키가 다닌 영화학교는 폴란드에서 가장 권위 있는 영화 교육 기관으로, 창작과 기술, 연출, 촬영 등 영화 전반의 교육을 제공하였다. 이 시기 그는 감독과 각본가로서 필요한 기초적 이론과 실습을 체계적으로 배우며, 단편 영화 제작을 통해 초기 작품 세계를 실험하였다.

폴란스키의 초기 단편 영화는 주로 인간 심리의 불안과 공포, 사회적 억압과 인간 관계의 갈등을 탐구하는 주제로 구성되었다. 대표적인 초기 단편으로는 《Rower》(1955), 《Two Men and a Wardrobe》(1958) 등이 있으며, 이는 단순한 실험 영화가 아니라 극적 구조와 시각적 연출, 배우의 감정 표현을 통해 심리적 긴장을 극대화하는 시도를 보여주었다[8]. 특히 《Two Men and a Wardrobe》는 단편 영화임에도 불구하고 비주얼과 상징을 적극적으로 활용하여 유럽 영화계에서 주목받았다. 이 작품에서 그는 인간의 소외와 사회적 부조리를 상징적으로 표현하며, 나중에 그의 장편 영화에서 반복되는 주제와 스타일을 예고하였다.

1950년대 후반부터 1960년대 초반에 걸쳐 폴란스키는 단편 영화뿐만 아니라 연극 연출과 영화 촬영 보조 경험을 통해 영화 제작의 전 과정을 익혔다. 그는 촬영 기술, 조명, 편집, 음향 등 영화 제작의 기술적 측면과 배우 지도, 장면 구성 등 연출적 측면을 동시에 배우며, 자신만의 연출 철학을 확립하였다[9]. 또한, 그는 당시 폴란드 영화계에서 활동하던 여러 감독과 작가들과 교류하며 국제 영화계에서 요구되는 예술적 수준과 표현 방식을 익혔다. 이 과정에서 폴란스키는 유럽식 실험적 영화와 심리적 드라마, 상징적 서사 기법을 결합한 자신만의 독창적 영화 언어를 개발하였다.

폴란스키는 인간의 내면적 불안, 사회적 억압, 극한 상황에서의 인간 행동을 관찰하고 이를 시각적·극적 요소로 변환하는 능력을 초기 작품에서 이미 보여주었다[10].

그는 어린 시절 체험한 극한의 심리적 경험과 전쟁 시기 생존의 기억을 바탕으로, 인간의 내면과 사회적 갈등을 탐구하는 독창적 스타일을 구축하였다.

로만 폴란스키의 초기 장편 영화 중 가장 주목할 만한 작품은 1962년에 제작된 《물속의 칼》이다. 이 작품은 폴란스키가 단편 영화에서 쌓은 심리적 긴장과 상징적 연출을 장편 영화로 확장한 첫 시도로 평가된다[11]. 영화는 청년 주인공이 복잡한 인간관계와 내면적 갈등 속에서 자신을 발견하고 정체성을 형성하는 과정을 다루며, 전후 유럽 사회의 불안정성과 인간 내면의 모호함을 반영한다. 특히 폴란스키는 장면 구성과 카메라 워크에서 독창적인 시도를 보였으며, 단순히 사건을 나열하는 것이 아니라 관객이 주인공의 심리적 상태를 체감하도록 연출하였다[12].

《물속의 칼》에서 두드러진 점은, 폴란스키 특유의 공포와 서스펜스적 요소가 초기 단계에서 이미 나타났다는 것이다. 그는 일상적 사건 속에서도 불안과 긴장을 유발하는 상황을 설계하며, 인간의 심리적 취약성과 사회적 갈등을 드러냈다. 영화 속 주인공은 자신을 둘러싼 환경과 관계 속에서 끊임없이 갈등하며, 이는 관객으로 하여금 현실과 심리적 긴장 사이의 경계를 경험하게 한다[13]. 이러한 연출 방식은 이후 폴란스키의 장편 영화에서 반복적으로 발전하며, 《로즈메리의 아기》와 《차이나타운》에서도 더욱 정교하게 구현된다.

폴란스키는 이 작품에서 전쟁 이후의 사회적 분위기와 개인의 내적 갈등을 긴밀하게 연결하였다. 전후 유럽의 혼란, 인간관계의 불확실성, 그리고 개인적 상실 경험은 주인공의 행동과 결정에 깊게 스며들며, 관객은 이를 통해 단순한 극적 재미가 아닌 인간 심리와 사회적 조건을 이해하게 된다[14]. 또한, 영화의 색채와 조명, 공간 배치와 카메라 움직임은 단순한 미적 장치가 아니라 심리적 긴장과 불안을 극대화하는 기능을 수행하였다. 이러한 시각적·공간적 연출은 폴란스키 영화의 특징으로 자리 잡으며, 후일 그의 상징적·심리적 연출 스타일을 예고하였다[15].

《물속의 칼》은 국제적으로 큰 흥행을 기록하지는 못했지만, 유럽 내 영화 평론가들 사이에서 폴란스키의 독창적 연출력과 심리적 주제 탐구를 주목받는 계기가 되었다. 이 작품은 폴란스키가 장편 영화로서 자신의 세계관을 확립하는 초석이 되었으며, 단편기에서 개발한 심리적 긴장과 상징적 연출을 장편에서 성공적으로 확장한 첫 사례로 평가된다[16]. 특히 영화의 주제적 깊이와 연출적 실험은 그가 이후 헐리우드와 유럽에서 제작한 장편 영화의 스타일과 주제 의식을 예견하게 한다.

이 시기 폴란스키의 작업은 단순히 초기 장편 제작에 그치지 않았다. 그는 작품을 통해 인간 심리의 복잡성을 탐구하고, 시각적 상징과 심리적 서스펜스를 결합하는 방식으로 자신의 영화적 정체성을 강화하였다. 《물속의 칼》은 폴란스키가 후일 세계적인 명성을 얻는 토대가 되었으며, 초기 장편에서부터 그의 작품 세계가 심리적 깊이와 사회적 반영, 시각적 실험을 동시에 갖춘 감독으로서의 면모를 보여주었음을 확인할 수 있다[17].

로만 폴란스키가 1965년에 제작한 《혐오》(원제: Repulsion)는 그의 초기 장편 영화 중에서 심리적 긴장과 공포의 요소가 본격적으로 드러난 작품이다. 이 영화는 폴란스키가 단편과 초기 장편에서 실험한 인간 내면의 불안과 공포를 완전히 장편 영화의 형식으로 확장한 대표작으로 평가된다[18]. 작품의 주인공인 카롤라인은 청순하지만 심리적으로 취약한 여성으로, 외부 세계와의 접촉에서 극심한 불안을 느끼며 점차 현실과 환상을 구분하지 못하는 심리적 붕괴를 겪는다. 폴란스키는 이러한 심리적 변화를 카메라 워크, 조명, 공간 구성, 음향 효과 등 시각적·청각적 요소를 통해 관객에게 극도로 사실적이면서도 몰입감 있게 전달하였다[19].

《혐오》에서 두드러진 점은, 폴란스키가 공포와 서스펜스를 단순한 사건 전개나 장르적 장치로 구현하지 않고, 인간 내면의 심리적 취약성과 외부 세계와의 충돌이라는 근본적 주제와 결합했다는 것이다. 영화는 주인공의 일상적 공간—아파트와 거리, 주변 사람들과의 관계를 배경으로 긴장과 공포를 점진적으로 구축하며, 관객이 직접 주인공의 불안과 공포를 체험하도록 유도한다[20]. 이러한 방식은 이후 폴란스키 영화에서 반복되는 심리적 서스펜스의 특징을 예고하며, 그의 시각적·심리적 연출 스타일의 핵심을 보여준다.

폴란스키는 《혐오》에서 심리적 불안을 시각적으로 강화하기 위해 아파트 내부의 좁고 밀폐된 공간을 활용하고, 점차적으로 주인공의 시각과 감각을 왜곡하는 연출을 도입하였다. 벽이 뒤틀리고 공간이 왜곡되는 장면, 문틈으로 느껴지는 불안, 주변 소음과 잔잔한 음악의 불협화음 등은 주인공의 정신적 붕괴를 관객에게 직접적으로 전달하는 장치로 작용한다[21]. 또한 영화 속 반복되는 거울, 손톱 자국, 환영과 그림자 등 시각적 상징은 심리적 불안과 내적 갈등을 강화하는 요소로 활용되었다. 이러한 연출적 시도는 폴란스키 영화에서 상징과 심리적 장치가 결합된 스타일의 출발점으로 평가된다.

《혐오》는 제작 당시 많은 비평가와 관객들에게 강렬한 인상을 남겼다. 비평가들은 특히 폴란스키가 인간 내면의 심리적 불안과 공포를 사실적으로 묘사하면서도, 영화적 긴장과 몰입을 유지하는 능력을 높게 평가하였다[22]. 이 작품은 폴란스키가 공포 장르와 심리적 드라마를 결합한 감독으로 자리매김하는 계기가 되었으며, 이후 그의 헐리우드 활동과 국제적 명성을 예고하였다. 또한 《혐오》는 그의 초기 작품에서 발견되는 주제, 즉 인간 내면의 취약성, 외부 세계와의 갈등, 공포와 긴장, 사회적 억압과 심리적 붕괴 등을 집대성한 대표적 사례로 평가된다[23].

《혐오》는 폴란스키가 단편기와 초기 장편에서 발전시킨 인간 심리 탐구, 시각적·청각적 연출 실험, 상징적 장치 활용이 장편 영화에서 정교하게 구현된 작품이다. 이 영화는 그의 감독 경력에서 중요한 이정표로서, 후일 제작될 《로즈메리의 아기》, 《차이나타운》, 《피아니스트》 등의 심리적 서스펜스와 상징적 연출의 기반이 되었다.

로만 폴란스키는 1960년대 후반, 유럽에서 쌓은 영화적 성과와 독창적 연출력을 바탕으로 헐리우드에 진출하였다. 그의 헐리우드 진출은 단순한 제작 환경의 변화가 아니라, 국제적 영화계에서 그의 위치를 확고히 하는 결정적 전환점이었다[24]. 특히 1968년 제작된 《로즈메리의 아기》(원제: Rosemary’s Baby)는 그의 헐리우드 데뷔작이자 세계적 명성을 결정적으로 확립한 작품으로 평가된다. 이 영화는 공포 장르를 단순한 장르적 공포에서 벗어나, 심리적 긴장과 사회적 불안을 결합한 심리 공포 영화로 재정의하였다[25].

영화는 뉴욕을 배경으로 젊은 부부 로즈메리와 가이의 이야기를 중심으로 전개된다. 폴란스키는 이 작품에서 현대 도시인의 불안과 인간 내면의 심리적 취약성을 정밀하게 탐구하며, 일상적 공간과 일상적 사건 속에서 극도의 긴장과 공포를 창출하였다. 아파트라는 제한된 공간을 활용한 연출, 빛과 그림자를 통한 시각적 긴장, 그리고 불협화음적 음향과 반복적 사운드 디자인은 주인공의 심리적 붕괴와 관객의 몰입을 동시에 이끌어낸다[26]. 폴란스키는 이전 작품 《혐오》에서 발전시킨 심리적 서스펜스와 상징적 장치 활용을 장편 헐리우드 영화에 성공적으로 적용하였다.

《로즈메리의 아기》는 단순히 개인적 공포를 다루는 것이 아니라, 현대 사회의 억압과 인간관계의 모호함, 종교적·사회적 권력 구조에 대한 불안을 함께 탐구한다. 영화 속 이웃과 사회적 관계, 권력과 통제의 문제는 주인공 로즈메리의 심리적 공포를 증폭시키며, 관객은 단순히 사건을 목격하는 것을 넘어 주인공의 심리적 체험에 직접 참여하게 된다[27]. 이러한 연출은 폴란스키가 공포와 심리적 서스펜스를 인간 내면과 사회적 맥락에 결합시키는 능력을 보여주는 결정적 사례다.

폴란스키의 헐리우드 진출과 《로즈메리의 아기》 제작 과정은 그의 개인적 삶과도 밀접하게 연결되어 있었다. 1968년 당시 그는 배우 샤론 테이트와 결혼하였으며, 뉴욕과 로스앤젤레스에서 제작 활동을 병행하였다. 영화 제작 과정에서 그는 배우와 제작진의 긴밀한 협업 속에서 자신의 연출 철학을 실현하였으며, 실험적 연출, 공간 활용, 심리적 긴장 구성 등의 기법을 장편 영화에 효과적으로 녹여냈다[28]. 이 작품은 이후 공포 장르의 새로운 지평을 열었으며, 비평가들로부터 심리적 깊이와 연출력 면에서 높은 평가를 받았다.

국제적으로 《로즈메리의 아기》는 폴란스키를 단순한 유럽 출신 감독에서 헐리우드에서 활동하는 세계적 감독으로 자리매김하게 한 작품이다. 영화는 그가 심리적 서스펜스, 상징적 연출, 인간 심리 탐구를 헐리우드 장편 영화에 성공적으로 접목시켰음을 보여주며, 이후 《차이나타운》, 《피아니스트》 등 후속작에서 발전시킬 기반을 마련하였다[29]. 이 시기 폴란스키는 예술적 성취와 함께 헐리우드 시스템 내에서 독창적 감독으로 자리 잡으며, 국제적 명성을 본격적으로 구축하기 시작하였다.

1960년대 중반, 로만 폴란스키는 국제 영화계에서 점차 입지를 넓혀 가는 시기였으며, 이 과정에서 그의 개인적 삶은 영화 활동과 긴밀히 얽히게 된다 폴란스키는 할리우드에서 떠오르는 배우 샤론 테이트를 만나 깊은 관계를 형성하였고, 이 시기의 관계는 그의 헐리우드 생활뿐만 아니라 작품 세계에도 중요한 영향을 끼쳤다. 테이트는 당시 유망한 배우로, 그녀의 매력과 재능은 폴란스키가 계획하던 여러 작품의 연출적 구상과 맞물려 창작적 시너지를 발생시켰다[31].

두 사람의 관계는 단순한 연인 관계를 넘어, 예술적 동반자 관계로 발전하였다. 테이트는 폴란스키가 구상하던 《로즈메리의 베이비》와 같은 작품 제작 과정에서 의견을 제공하고, 당시 헐리우드 시스템 속에서 폴란스키가 직면한 제작상의 어려움을 공유하였다. 특히 폴란스키가 미국 영화 산업의 상업적 요구와 예술적 이상 사이에서 고민하던 시기에, 테이트는 심리적 안정과 조언자 역할을 동시에 수행하며 그의 창작 세계를 지탱해 주었다.

샤론 테이트와 폴란스키는 헐리우드 내에서 주목받는 커플로 인식되었다. 당대 언론과 대중 매체는 두 사람의 결합을 세간의 화제로 다루었으며, 이 과정에서 폴란스키의 작품뿐 아니라 개인적 삶도 관객과 평론가의 관심 대상이 되었다. 테이트와의 사적인 친밀감은 폴란스키 영화에서 드러나는 인간관계의 섬세한 묘사, 긴장감 있는 심리 구조, 그리고 공포와 불안의 미묘한 균형을 형성하는 데 중요한 배경이 되었다. 폴란스키는 이 시기의 경험을 작품 속 인물들의 내적 갈등과 불안정한 관계로 재현하며, 심리적 사실성과 몰입도를 높였다[32].

그러나 두 사람의 헐리우드 생활은 불안정한 외부 환경과 사건으로 인해 점차 긴장 상태에 놓이게 된다. 폴란스키는 작품 제작과 사회적 활동, 그리고 국제적 명성과 개인적 관계 사이에서 끊임없는 균형을 모색해야 했고, 테이트 역시 헐리우드에서 여배우로 살아가며 겪는 압력과 기대 속에서 폴란스키와의 관계를 유지해야 했다. 이러한 상황은 두 사람의 사생활뿐 아니라 폴란스키의 창작 과정에도 지속적인 영향을 미쳤으며, 그의 작품에서 불안, 위협, 상실감이라는 테마가 반복적으로 등장하는 배경으로 작용하였다.

샤론 테이트와의 관계는 안타깝게도 1969년 비극으로 이어진다. 찰스 맨슨이 이끄는 맨슨 패밀리에 의한 살해 사건은 단순한 개인적 손실을 넘어 폴란스키의 삶과 작품 세계 전체에 깊은 영향을 끼쳤다. 폴란스키는 이후 인터뷰와 회고에서 테이트와의 관계가 자신에게 남긴 감정적, 창작적 의미를 강조하였으며, 이를 바탕으로 심리적 깊이와 비극적 요소가 두드러지는 작품 세계를 확립하게 된다. 이 사건은 폴란스키의 헐리우드 활동을 사실상 중단시키는 계기가 되었으며, 그의 유럽 망명과 국제적 논란의 서막으로 이어졌다[33].

1969년 8월 9일과 10일, 헐리우드의 베버리힐스 지역에서 발생한 맨슨 패밀리 사건은 로만 폴란스키의 삶에 지울 수 없는 충격을 남긴 사건으로 기록된다. 당시 폴란스키는 유럽에서 영화 작업을 진행 중이었고, 그의 아내 샤론 테이트는 임신 8개월 차로 미국에 머물고 있었다. 맨슨 패밀리의 일원들은 테이트가 거주하던 집에 침입하여 샤론 테이트를 포함한 여러 사람을 살해하였으며, 사건 현장은 극도로 참혹하게 남겨졌다[34].

샤론 테이트의 사망은 단순한 개인적 손실을 넘어 폴란스키의 사생활과 창작 세계에 깊은 영향을 끼쳤다. 테이트의 살해 소식은 폴란스키에게 극심한 정신적 충격을 주었으며, 그는 이후 인터뷰와 회고에서 “상실감과 충격이 창작의 모든 면을 뒤흔들었다”고 밝힌 바 있다. 폴란스키는 당시 자신이 사건 현장에 없었음에도 불구하고, 사랑하는 사람을 잃은 비극적 경험이 그의 영화적 주제와 심리적 표현에 강하게 반영되었음을 여러 차례 언급하였다[35].

사건 이후 헐리우드와 미국 사회는 큰 충격에 휩싸였으며, 맨슨 패밀리 사건은 언론의 집중적인 보도를 받았다. 폴란스키는 유럽으로 급히 돌아와 보호를 받으며, 미국 내 체류를 자제할 수밖에 없는 상황에 놓였다. 이 사건은 그가 헐리우드 시스템과 직접적으로 관계를 맺기 어려운 계기가 되었으며, 폴란스키의 작품 활동은 자연스럽게 유럽 중심으로 이동하게 된다. 또한 이 비극은 폴란스키와 테이트의 개인적 삶뿐 아니라, 1960년대 후반 헐리우드 사회의 문화적 혼돈과 범죄적 요소를 드러내는 상징적 사건으로 기록된다.

폴란스키는 테이트의 사망 이후, 작품 속 인물들에게 인간 내면의 불안과 상실, 극단적 공포를 구현하는 방식으로 이 사건의 경험을 투영하였다. 《로즈메리의 베이비》(1968)에서 이미 나타난 심리적 긴장감은 이후 작품들에서 더욱 깊고 다층적인 형태로 발전하게 되었다. 영화 속 주제와 장치들은 개인적 비극과 사회적 충격을 반영하며, 관객에게 극도의 몰입감을 제공하는 요소로 작용하였다[36].

비록 테이트 사건은 폴란스키의 미국 내 활동을 사실상 중단시키는 계기가 되었지만, 동시에 그의 작품 세계에 깊이 있는 심리적 탐구와 비극적 요소를 더하는 계기가 되었다. 이 사건은 단순한 사적 비극으로 머물지 않고, 그의 영화적 상징과 주제 형성에 지대한 영향을 미쳤으며, 후대 영화 연구에서도 폴란스키의 창작 세계를 이해하는 핵심 사건으로 자리 잡게 된다.

1969년 사건 이후 폴란스키의 삶은 개인적 트라우마와 사회적 논란이 결합된 복합적 양상을 띠었다. 아내의 비극적 죽음과 법적 추적, 국제적 이동의 제약은 그의 작품 세계와 창작 방식에 직접적인 영향을 주었다. 특히 그의 영화에서 보여지는 인간 심리의 불안, 공포, 도덕적 모호성, 권력과 억압의 문제는 이 시기의 경험과 무관하지 않다[37]. 이러한 배경은 그의 작품을 단순한 영화적 서스펜스가 아닌, 개인적 경험과 역사적 사건을 반영한 심리적·사회적 탐구로 확장하는 계기가 되었다.

결국 1969년은 폴란스키의 개인적 삶과 경력 모두에 깊은 영향을 미쳤으며, 그의 헐리우드 활동을 중단시키는 계기가 되었지만, 동시에 그의 작품 세계를 더욱 심화시키고 국제 영화계에서 독창적 감독으로서 자리매김하게 만든 중요한 사건으로 평가된다.

폴란스키는 1969년 이후 미국을 떠나 유럽에서 활동을 이어가며, 헐리우드에서의 직접적 제작 환경 대신 유럽 중심의 영화 제작 체계에서 자신의 창작 역량을 확장하였다[38]. 이 시기 그는 주로 프랑스, 영국 등 유럽 국가에서 장편 영화를 제작하며, 인간 심리의 어두움과 사회적 부조리를 심층적으로 탐구하는 작품 세계를 발전시켰다. 이러한 활동은 그의 초기 단편과 장편에서 구축된 심리적 서스펜스, 공포, 상징적 연출을 국제적 영화 환경에서 더욱 정교하게 구현하는 계기가 되었다[39].

1974년 발표된 《차이나타운》(원제: Chinatown)은 폴란스키의 유럽 활동과 헐리우드 경험을 결합한 대표작으로, 그의 감독 경력에서 중요한 위치를 차지한다. 영화는 1930년대 로스앤젤레스를 배경으로 한 필름 느와르 장르 작품으로, 사생활과 공권력, 부패와 탐욕, 인간의 도덕적 모호성을 중심 주제로 삼는다. 폴란스키는 복잡한 사건 전개와 심리적 긴장, 미세한 인간 감정의 변화를 세밀하게 묘사하며, 관객이 탐정 주인공의 시각과 경험을 따라 사건의 심리적 층위를 체감하도록 연출하였다[40].

《차이나타운》에서 폴란스키의 연출적 특징은 극적 사건과 인간 심리의 긴밀한 결합, 시각적 상징과 공간 활용, 그리고 사회적 맥락과 개인적 비극의 조화에서 두드러진다. 영화 속 인물들은 각자의 욕망과 비밀, 권력과 불신 속에서 행동하며, 이러한 인간관계의 복잡성은 폴란스키가 유럽 활동 중에 발전시킨 사회적·심리적 탐구의 연장선상에 있다[41]. 또한, 그는 건축적 공간 구성과 조명, 카메라 움직임을 통해 인물의 심리 상태와 사건의 긴장을 관객에게 시각적으로 전달하였다. 이는 이전 단편과 장편에서 실험한 시각적 상징과 심리적 긴장 기법을 보다 정교하게 발전시킨 결과다[42].

폴란스키는 《차이나타운》을 통해 심리적 서스펜스와 사회적 부조리의 결합뿐만 아니라, 인간 내면의 도덕적 모호성과 윤리적 갈등을 탐구하였다. 영화에서 탐정 주인공이 사건의 진실을 파헤치는 과정은 단순한 수사극을 넘어서, 권력과 부패, 가족과 개인적 상실, 인간의 욕망과 도덕적 선택이라는 복합적 주제를 담고 있다[43]. 이러한 주제 탐구와 연출적 정교함은 폴란스키가 헐리우드에서 배운 상업적 제작 기법과 유럽에서 쌓은 심리적·사회적 탐구 경험이 결합된 산물이다[44].

《차이나타운》은 비평가와 관객 모두에게 높은 평가를 받으며, 폴란스키의 국제적 명성을 공고히 했다. 영화는 1970년대 미국 영화계에서 느와르 장르의 재해석과 심리적 서스펜스, 사회적 탐구를 결합한 대표적 작품으로 평가되며, 그의 작품 세계를 이해하는 핵심적 사례로 자리매김하였다. 이 작품은 유럽 활동 기간 동안 발전한 그의 연출력, 인간 심리 탐구, 사회적 맥락 이해가 결합되어, 폴란스키 감독 경력에서 중요한 이정표로 기능하였다[45].

1977년, 로만 폴란스키는 미국에서 큰 논란의 중심에 섰다. 당시 그는 헐리우드에서 한창 경력을 쌓고 있던 중이었으며, 영화 《로즈메리의 베이비》와 《차이나타운》으로 이미 국제적 명성을 얻은 상태였다. 그러나 그의 사생활과 관련된 사건이 공개되면서 영화계와 대중 사회 모두에 큰 충격을 주었다. 폴란스키는 당시 13세 소녀와 성관계를 가진 혐의로 기소되었으며, 사건은 1977년 3월에 공식적으로 수사와 기소가 이루어졌다. 이 사건에서 그는 미성년자 성범죄와 관련된 여러 혐의를 인정하였고, 검찰과 변호인단 사이의 협상 끝에 한 혐의에 대해서만 유죄를 인정하고 나머지 혐의는 기각되었다. 사건 당시는 미국 사회에서도 성범죄와 미성년자 보호 문제에 민감하게 반응하던 시기로, 그의 행위는 언론을 통해 전국적으로 보도되었다.[46]

폴란스키는 재판을 앞둔 상태에서 보석금을 지불하고 잠시 자유로운 상태에 있었으나, 재판이 끝나기 전 도주를 결정하였다. 그는 1978년 2월 미국을 떠나 유럽으로 향했으며, 이후 미국으로 돌아오지 않았다. 도주 이후 폴란스키는 주로 프랑스, 폴란드, 영국 등 유럽 국가에서 거주하며 작품 활동을 이어갔다. 그의 도피는 국제적인 법적 문제를 야기하였으며, 미국 법무부와 연방수사국(FBI)은 그의 신병 인도를 요구했지만, 그는 체포되지 않은 채로 활동을 지속했다.[47]

폴란스키 사건은 예술성과 윤리성 사이에서 논쟁을 촉발시켰다. 그의 영화적 업적은 높게 평가되지만, 동시에 법적·도덕적 문제로 인해 지속적인 비판과 논란의 중심에 있었다. 사건 이후 수십 년 동안 그는 유럽을 중심으로 활동하며 여러 작품을 제작했으며, 미국 재판과 도피 사건은 그의 국제적 이미지와 평판에 장기적인 영향을 미쳤다.[48][49]

로만 폴란스키는 1978년 미국을 떠난 이후, 주로 프랑스를 중심으로 유럽 각국에서 활동하며 망명 생활을 시작했다. 그는 프랑스에서 정착하며 작품 활동을 이어갔고, 당시 프랑스 정부는 그를 보호하며 미국으로의 송환 요구를 거부하였다. 폴란스키의 망명 생활은 단순한 도피를 넘어, 그가 헐리우드에서 구축한 명성과 창작적 역량을 유럽이라는 새로운 환경에서 재정립하는 계기가 되었다. 유럽의 문화적 자유와 예술적 관용은 그에게 심리적 안정감을 제공하였으며, 이는 이후 그의 작품에서 보다 세밀하고 인간 내면을 깊이 탐구하는 스타일로 이어졌다.

망명 초기 폴란스키는 프랑스 영화 산업의 지원을 받아 여러 작품을 준비했다. 그는 장르와 소재를 다양하게 탐구하면서도, 이전 작품에서 보여주었던 심리적 긴장감과 인간의 어두운 면을 계속해서 다루었다. 유럽 체류 중 그는 폴란드에서 자신의 뿌리와 연결된 작품들을 기획하기도 했으며, 이는 곧 그가 만든 영화 《테스》와 같은 역사적·문화적 배경을 갖춘 작품으로 발전하였다. 또한, 그는 유럽 각국에서 활동하는 배우, 작가, 프로듀서와 협력하며 국제적인 제작 환경 속에서 작품을 제작할 수 있었다. 이러한 협업은 그의 영화적 스타일과 주제 의식을 확장시키는 계기가 되었다.

망명 생활은 단순히 장소의 변화만을 의미하지 않았다. 그는 미국에서의 법적 문제와 지속적으로 연결되어 있었으며, 이로 인해 활동에는 항상 제한과 긴장이 존재했다. 미국 당국은 그의 출국 이후에도 신병 인도를 지속적으로 요청했으며, 폴란스키는 이를 회피하며 유럽 내 이동을 조심스러이 진행해야 했다. 이 같은 긴장은 그의 작품 세계에도 반영되어, 인간 심리와 불안, 추적과 은폐라는 주제가 더욱 심화되었다는 평가를 받는다. 실제로 그의 유럽 작품에서는 등장인물이 외부의 시선과 압력, 사회적 규범 속에서 갈등하며 은폐와 도피를 반복하는 장면이 반복적으로 나타난다. 이는 그의 실제 삶과 예술적 상상이 결합된 결과로 볼 수 있다.[50]

망명 기간 동안 폴란스키는 프랑스를 중심으로 영국, 폴란드, 스위스 등 여러 유럽 국가를 오가며 작품 활동을 이어갔다. 그는 다양한 언어와 문화적 환경 속에서 새로운 협업 방식을 모색했고, 이전보다 보다 국제적인 시각에서 영화를 제작할 수 있는 기회를 갖게 되었다. 또한 유럽 영화계는 그의 경력과 명성을 높게 평가하며 작품 제작을 적극 지원하였다. 특히 프랑스 영화 제작사와의 협력은 폴란스키가 큰 제작비가 필요한 장편 영화와 복잡한 촬영 환경을 요구하는 프로젝트를 수행할 수 있게 해주었다. 이러한 환경적 지원은 그가 이전 미국 시절과는 다른, 보다 실험적이고 심리적 깊이가 있는 작품을 만들 수 있는 기반이 되었다.

이 기간 동안 제작된 작품들은 인간 심리의 섬세한 묘사와 극한 상황 속 인간의 행동을 심리적 깊이로 탐구하는 특징을 지니며, 그의 영화 경력에 중요한 전환점을 제공하였다. 유럽 내에서의 장기간 활동은 폴란스키에게 안정적 제작 환경을 제공했을 뿐 아니라, 그의 작품이 국제 영화계에서 지속적으로 주목받을 수 있는 계기가 되었다.[51]

1980년대는 로만 폴란스키에게 유럽에서 활동을 이어가며 자신의 영화적 정체성을 공고히 한 시기로 시기였다. 그는 헐리우드 활동이 중단된 이후 프랑스, 폴란드, 영국 등 유럽 국가에서 장편 영화를 제작하며, 인간 심리의 복잡성과 사회적·정치적 갈등을 영화적 주제로 적극 탐구하였다[52]. 이 시기 그의 작품들은 단순한 극적 서사나 상업적 장르를 넘어, 개인적 경험과 역사적 사건, 정치적 상황이 결합된 심리적 서스펜스와 사회적 비판을 담아내었다. 폴란스키는 유럽 중심의 제작 환경 속에서 제한된 자원과 제작 조건을 극복하며 독창적 연출을 이어 나갔으며, 이는 그의 영화가 갖는 독창성과 심리적 깊이를 더욱 강화하는 결과를 낳았다.

특히 1988년작 《실종자》은 당시 폴란스키 작품의 특징을 명확히 보여주는 작품으로 평가된다. 실종자는 뉴욕을 배경으로 평범한 사업가 리차드 워커가 갑작스럽게 국제적 음모와 범죄 사건에 휘말리며 추격과 은폐의 과정을 겪는 이야기를 다루고 있다. 이 작품은 기존 폴란스키 영화에서 강조되던 심리적 긴장감과 고립, 인간 내면의 불안을 현대 도시 환경과 결합하여 보여주는 대표적 사례로 꼽힌다.

실종자의 제작 과정은 유럽과 미국의 협업적 성격을 띠었다. 폴란스키는 유럽 배우와 스태프를 중심으로 제작하면서도, 미국과 국제 배급사를 통해 넓은 관객층에게 접근할 수 있는 전략을 병행하였다. 특히 영화의 촬영 기법과 편집, 음악적 구성은 이전 작품과 비교해 보다 세련되고 현대적인 서스펜스 장치가 강화되었다. 카메라의 이동과 화면 구성은 등장인물의 심리적 불안과 추적 상황을 극대화하며, 관객으로 하여금 인물과 동일한 긴장감을 체험하게 한다. 이러한 연출 방식은 폴란스키가 과거 헐리우드 시절부터 꾸준히 발전시켜온 심리적 서스펜스의 연장선상에 있다.

이 작품에서 폴란스키는 현대 도시라는 공간적 제약을 이용하여 인물의 고립과 압박을 시각적으로 표현하였다. 영화 속 뉴욕은 단순한 배경이 아니라, 주인공이 처한 긴장과 불안을 증폭시키는 장치로 기능한다. 좁은 골목, 복잡한 도로망, 익명의 시민 속에서 주인공이 느끼는 위협과 공포는 영화 전체를 관통하는 긴장감의 핵심 요소로 작용한다. 또한 폴란스키는 인간 심리의 취약성과 사회적 상황 속 개인의 무력함을 강조하며, 그의 이전 작품에서 지속적으로 나타난 ‘추적과 도피’라는 테마를 현대적 환경 속에서 재해석하였다.

1980년대 폴란스키의 영화 활동은 단순히 작품 제작에 그치지 않고, 국제 영화계에서 그의 위상을 재정립하는 계기가 되었다. 실종자는 비록 흥행 면에서 일부 한계를 보였지만, 평론가들 사이에서는 그의 연출력과 스토리텔링 능력, 심리적 긴장 묘사에 대한 높은 평가를 받았다. 유럽과 미국을 오가는 배급과 영화제 출품을 통해 폴란스키는 여전히 국제 영화계의 주목을 받는 감독으로 자리매김할 수 있었다. 이 시기의 작품들은 그의 영화적 세계관을 집대성하는 역할을 했으며, 특히 인간 내면의 불안, 사회적 압박, 도피와 추적이라는 주제를 지속적으로 탐구하는 계기가 되었다.

실종자와 1980년대 작품들은 폴란스키 감독이 유럽 망명 후 개인적 경험과 사회적 환경을 작품 속에 반영한 중요한 사례로 평가된다. 그는 당시 법적 문제와 국제적 논란 속에서도 예술적 창작을 이어가며, 인간 심리와 사회적 압력 사이의 긴장을 섬세하게 탐구하였다. 이 시기 영화들은 후속 작품들에서 반복되는 주제와 스타일의 기반이 되었으며, 폴란스키가 국제 영화계에서 꾸준히 주목받는 감독으로 자리매김하는 데 결정적인 역할을 하였다.[53]

1986년작 《대해적》은 로만 폴란스키가 헐리우드와 유럽을 오가며 제작한 대형 상업 영화로, 그의 경력에서 상업적 도전과 실험이 결합된 작품으로 평가된다. 이 영화는 18세기 카리브 해를 배경으로, 해적과 군함, 보물과 음모가 얽히는 모험담을 다루고 있으며, 화려한 세트와 대규모 촬영, 복잡한 해상 장면으로 당시 제작 규모가 상당히 큰 작품이었다. 폴란스키는 이전 작품에서 보여준 심리적 긴장감과 인간 내면 탐구를 대규모 모험극의 서사와 결합하려 시도하였다. 그러나 제작 과정에서의 여러 난관과 상업적 압박, 미국 제작사와의 의견 충돌 등이 겹치며 제작 환경은 다소 긴장된 상태였다.

대해적의 제작은 유럽과 미국을 동시에 활용하는 국제적 공동 제작 형태로 진행되었다. 프랑스와 미국의 영화사, 스태프와 배우들이 함께 참여하였으며, 대규모 해상 세트와 특수 효과, 실물 배들을 활용한 촬영이 진행되었다. 폴란스키는 극적 긴장과 코미디적 요소, 인간관계의 갈등을 섬세하게 결합하려 했으나, 당시 헐리우드 제작 환경의 상업적 요구와 일부 스튜디오 간 갈등으로 인해 편집과 연출 과정에서 다소 조정이 불가피했다. 이러한 제작 환경은 작품 완성도와 상업적 성과에 일정한 영향을 미쳤으며, 비평가들 사이에서는 극찬과 혹평이 혼재하는 결과를 낳았다.

영화의 서사는 모험과 음모, 배신과 충성, 로맨스와 인간관계의 복합적 요소를 포함한다. 주인공 해적들은 자유와 탐험, 권력 사이에서 갈등하며, 폴란스키는 이러한 갈등을 인간 심리의 복합적 묘사와 결합하여 표현하였다. 이전 작품들에서 반복되던 인간 내면의 긴장, 고립, 불안과 같은 테마가 이번 영화에서도 나타나지만, 대규모 상업 영화의 특성상 액션과 스펙터클 요소가 크게 강조되었다. 특히 해상 전투 장면과 폭풍우 속 항해 장면은 폴란스키 감독의 연출력과 세트 디자인, 촬영 기술을 총동원한 장면으로 평가된다.

《대해적》은 개봉 당시 평단과 관객으로부터 다양한 평가를 받았다. 일부 평론가는 폴란스키의 심리적 서스펜스와 인간 내면 묘사가 모험극과 결합하여 독창적인 시도를 보여주었다고 평가한 반면, 다른 평론가는 상업적 요소와 대규모 세트, 과장된 해상 장면이 작품의 집중도를 저해했다고 지적하였다. 상업적 성과 측면에서도 미국과 국제 시장에서 흥행은 제한적이었으며, 제작비 대비 수익 면에서 다소 아쉬운 결과를 기록하였다. 그러나 이 작품은 폴란스키 감독의 경력에서 상업적 도전과 대규모 제작 경험을 축적하는 계기가 되었으며, 이후 그의 영화적 스펙트럼을 넓히는 역할을 하였다.

이 작품은 또한 폴란스키가 유럽과 헐리우드 제작 환경 사이에서 조율하며 작업할 수 있음을 보여주는 사례로 평가된다. 그는 대규모 세트, 복잡한 촬영 환경, 국제적 협업 속에서도 자신의 연출 철학을 유지하려 노력하였다. 인간 심리와 갈등, 서스펜스와 긴장감이라는 그의 핵심 테마는 해적에서도 유지되었으며, 상업적 모험극이라는 장르적 특성과 결합되어 새로운 형태의 영화적 실험이 이루어졌다.

결국 대해적은 폴란스키의 경력에서 상업적 모험과 실험적 연출이 교차하는 작품으로, 비평적 평가와 흥행 성과 모두 실패했지만, 감독으로서의 국제적 경험과 제작 역량을 확립하는 중요한 시기로 기록된다. 이 작품을 통해 그는 이후 1990년대와 2000년대 작품에서 보여줄 심리적·서스펜스적 요소의 폭을 확대하며, 유럽 망명기 이후의 창작적 성숙을 이어갈 수 있는 발판을 마련하였다.[54]

1990년대는 로만 폴란스키 감독에게 있어 유럽 망명 이후 경력의 전환기이자 창작적 재정비의 시기로 평가된다. 이 시기 그는 미국과의 법적 갈등으로 인해 헐리우드에서의 활동은 여전히 제한적이었지만, 유럽 내에서 작품 제작과 국제 영화제 출품을 통해 자신의 명성을 지속적으로 유지하였다. 폴란스키는 유럽과 미국의 문화적 환경 차이를 활용하여 작품 스타일을 발전시키며, 심리적 긴장과 인간 내면 탐구라는 감독적 특징을 더욱 정교하게 다듬었다. 특히 1990년대 초반 그는 이전 작품에서 다루었던 서스펜스, 인간 심리, 사회적 압력과 고립이라는 테마를 다양한 장르와 결합하는 방식을 실험하였다.

이 시기의 대표적 작품으로는 《비터 문》(1992)과 《나인스 게이트》(1999) 등이 있다. 《비터 문》은 유럽 도시를 배경으로, 주인공이 과거와 현재 사이에서 겪는 심리적 갈등과 불안을 중심으로 전개된다. 폴란스키는 카메라 구성과 조명, 공간 활용을 통해 인물의 내면적 고립과 위협을 시각화하였으며, 이는 이전 헐리우드 시절보다 더욱 섬세하고 심리학적 깊이를 가진 연출로 평가받았다. 작품 속 등장인물은 사회적 규범과 개인적 욕망 사이에서 갈등하며, 이를 통해 관객에게 인간 존재의 복잡성과 불확실성을 전달한다. 영화의 배경, 음악, 소품 선택 등 모든 요소가 긴장감과 몰입도를 극대화하는 방식으로 구성되어, 폴란스키 특유의 심리적 서스펜스가 더욱 강화되었다.

1990년대의 재정비 시기는 또한 폴란스키가 국제 영화제와 유럽 제작 환경을 전략적으로 활용하는 계기가 되었다. 그는 프랑스, 폴란드, 영국 등에서 제작 지원을 받으며, 다양한 배우 및 제작진과 협업하였다. 이를 통해 헐리우드에서 경험할 수 없었던 창작적 자유와 실험적 연출을 시도할 수 있었고, 국제 영화계에서 폴란스키의 위상을 다시 확인하는 계기를 마련하였다. 1990년대 작품들은 상업적 흥행보다는 예술적 완성도와 심리적 탐구에 중점을 두었으며, 이는 이후 2000년대 대표작인 《피아니스트》로 이어지는 창작적 기반을 다지는 과정이었다.

또한 이 시기 폴란스키는 자신의 경험과 법적 문제, 망명 생활에서 비롯된 심리적 주제를 영화 속에 적극적으로 반영하였다. 그는 인간이 극한 상황에서 겪는 불안, 고립, 두려움, 도피를 중심 소재로 활용하며, 인물의 행동과 심리 변화를 정밀하게 묘사하였다. 1990년대 작품들은 이러한 주제와 함께 인간 내면의 복잡성과 인간관계의 갈등을 긴밀하게 결합하며, 폴란스키 특유의 서스펜스와 드라마적 긴장을 유지하였다. 평론가들은 이 시기의 작품들이 감독의 경험과 예술적 숙련이 결합된 결과라고 평가하며, 그의 영화 세계에서 중요한 전환점으로 본다.

1990년대 재정비 기간 동안 폴란스키는 유럽 영화계에서의 활동뿐 아니라 국제 영화제 참가와 출품을 통해 국제적 평판을 지속적으로 강화하였다. 그는 작품 제작과 함께 영화제 출품, 감독상 수상, 비평적 평가 등 다양한 방면에서 활동하며, 미국 내 법적 문제에도 불구하고 세계적 감독으로서의 위치를 유지하였다. 이러한 1990년대 활동은 21세기 폴란스키 작품들의 심리적 서스펜스와 인간 내면 탐구의 기반을 마련하였으며, 이후 제작되는 피아니스트와 유령 작가 등에서 극대화되는 주제적 깊이와 연출력을 가능하게 했다.[55]

2002년 공개된 《피아니스트》는 로만 폴란스키 감독에게 있어 경력상 중요한 전환점이자, 국제적으로 그의 작품성을 재확인하는 계기가 된 작품이다. 이 영화는 폴란드 출신 유태인 피아니스트 블라디슬라프 슐필만의 회고록을 기반으로, 제2차 세계대전 동안 나치 점령하에 있었던 바르샤바에서의 생존 이야기를 사실적이고 세밀하게 그린다. 폴란스키 자신이 홀로코스트를 경험한 생존자로서, 작품 속 공포와 고립, 인간의 극한 상황에 대한 묘사는 그의 개인적 경험과 깊이 결합되어 있다. 그는 관객이 단순히 전쟁의 참상을 보는 것이 아니라, 등장인물의 심리적 고통과 절망, 인간성의 희미한 빛까지 체감할 수 있도록 연출하였다.

《피아니스트》는 사실적이고 담백한 연출이 특징이다. 폴란스키는 장면의 과장보다는 미세한 표정, 공간의 여백, 침묵 속 긴장감을 통해 관객에게 몰입감을 제공하였다. 영화의 촬영과 편집은 극적 효과를 과도하게 강조하지 않으면서도, 생존과 인간적 갈등의 긴박함을 강하게 전달한다. 특히 슐필만이 나치의 검열과 폭력, 전쟁 속 혼란 가운데서 피아노와 음악을 매개로 인간성을 유지하는 장면들은 영화 전체를 관통하는 핵심적 모티프로 작용한다. 폴란스키 감독은 과거 작품에서 반복되던 인간 심리의 긴장, 추적과 고립이라는 주제를 이번 작품에서는 역사적 사실과 결합하여 극한 상황 속에서의 인간 경험을 극대화하였다.

이 작품은 국제 영화제와 평단에서 높은 평가를 받았다. 2002년 칸 영화제에서는 황금종려상을 수상하며, 폴란스키 감독의 예술적 업적과 심리적 서스펜스 묘사의 탁월함이 공식적으로 인정되었다. 또한 2003년 제75회 아카데미 시상식에서는 최우수 감독상, 최우수 각색상, 최우수 남우주연상 등 여러 부문에서 수상 후보로 올랐으며, 감독상과 각색상을 수상하는 쾌거를 이루었다. 이는 폴란스키가 1970년대 미국에서 발생한 법적 문제와 도피 이후, 약 25년 만에 헐리우드 영화계에서 공식적 명성을 회복한 사례로 기록된다.

《피아니스트》는 폴란스키 영화 세계에서 과거와 현재, 개인적 경험과 역사적 현실이 결합된 대표작으로 평가된다. 인간의 생존, 절망과 희망, 극한 상황에서의 심리적 반응이라는 주제는 그의 이전 작품에서 지속적으로 나타난 패턴과 연결되며, 이번 영화에서는 역사적 사실이라는 배경 속에서 더욱 명확하게 드러난다. 또한 영화의 연출과 촬영, 음악적 선택은 인물 중심적 서사와 인간 내면 묘사를 극대화하며, 관객이 전쟁과 인간 심리를 동시에 체험할 수 있도록 구성되어 있다.

이 작품 이후 폴란스키는 다시 한 번 국제 영화계의 주목을 받으며, 작품성과 예술적 평가 면에서 독보적 위치를 확보하였다. 피아니스트는 폴란스키가 유럽 망명 이후에도 꾸준히 발전시켜온 인간 심리 탐구, 고립과 긴장, 사회적 압력과 도피의 테마를 종합적으로 보여주는 작품으로, 그의 경력에서 가장 중요한 작품 중 하나로 손꼽힌다. 또한 아카데미 감독상 수상은 폴란스키가 헐리우드와 국제 영화계에서 동시에 인정받는 계기가 되었으며, 그가 지속적으로 국제적 감독으로 활동할 수 있는 발판을 마련하였다.

Roman Polanski: A Film Memoir는 2011년에 제작된 다큐멘터리 영화로, 프랑스·이탈리아·영국·독일 합작의 작품이다. 이 영화는 로만 폴란스키가 오랜 친구이자 제작자였던 앤드루 브라운스버그와의 긴 대화를 중심으로 폴란스키 본인이 자신의 삶과 경력을 직접 회고하는 형식을 취하고 있다. 감독은 로랑 부제로(Laurent Bouzereau)로, 폴란스키의 개인적·작업적 여정을 밀도 있게 보여 준다.

이 다큐멘터리는 90분가량의 러닝타임으로 폴란스키가 어린 시절부터 직면했던 여러 사건들과 이에 따른 감정, 그의 영화적 세계관 형성 과정 등을 솔직하고 담백하게 드러낸다. 특히 이 작품은 오랜 기간 동안 폴란스키가 미디어 속에서 왜곡되거나 축약돼 온 이야기들을 자신만의 목소리로 직접 설명하는 거의 유일한 영상 기록이라는 점에서 중요하다.

영화의 기본 구조는 크게 두 부분으로 나뉜다. 먼저 폴란스키가 스위스의 자택에서 가택연금 상태였던 시기(2009년)의 모습을 담은 부분이 있고, 그가 자유로운 상태에서 회고하는 모습이 교차한다. 이 대화는 단순한 인터뷰를 넘어 폴란스키 자신의 기억과 감정 속을 관통하는 내면적 여정을 보여 준다.

다큐멘터리 초반에는 폴란스키의 유년기와 홀로코스트 경험이 등장한다. 그는 제2차 세계대전 당시 크라쿠프 게토에서 살아남았던 시절, 가족이 겪은 비극 등을 되짚으며 그로 인한 정서적 흔적이 이후 그가 만든 영화들에 어떻게 녹아 들어갔는지를 설명한다.

이어지는 부분에서는 그의 영화 경력 초기부터 국제적 명성을 얻기까지의 여정이 소개된다. 폴란스키는 폴란드에서의 첫 작품들, 유럽 영화계에서의 평가, 헐리우드에서의 성공 등을 회상하며 감독으로서 겪은 고민과 창작 철학을 전한다.

또한 Roman Polanski: A Film Memoir은 폴란스키의 정치·법적 논쟁에 대해서도 직접 다룬다. 1977년 미국에서 발생한 성범죄 사건과 이후 그가 미국을 떠나 유럽으로 정착하게 된 배경, 그리고 2009년 스위스에서의 구금까지의 일련의 법적 문제들이 솔직하게 언급된다. 다큐멘터리는 이러한 사건들이 단순한 스캔들이 아니라, 그의 개인적·전문적 삶을 규정해 온 요소로서 어떻게 작용했는지를 집중적으로 보여 준다.

영화는 다큐멘터리적 성찰과 회고를 통하여 폴란스키라는 복합적 인물의 초상화를 그린다. 그의 삶은 스스로 말하듯 전쟁, 비극, 성공, 논쟁이 교차하는 여정이었으며, 이를 통해 관객은 한 인간의 극적 서사뿐 아니라 감독으로서의 창작적 동력과 한계까지도 엿볼 수 있다.

이 작품은 비록 관객과 비평가 사이에서 평가가 엇갈리기도 하지만, 폴란스키가 자신의 언어로 삶과 예술, 그리고 논쟁을 어떻게 해석하는지를 직접 들을 수 있는 희소한 기록이라는 점에서 평가된다.

이후 《실화: 숨겨진 비밀》(Based on a True Story)는 2017년에 발표된 프랑스‑폴란드 합작의 심리 스릴러 영화로, 폴란스키 본인이 공동 각본을 쓴 작품이다. 이 영화는 프랑스 작가 델핀 드 비강의 동명 소설을 원작으로 하며, 현실과 허구, 정체성의 혼란이라는 주제를 중심으로 전개된다.

영화의 줄거리는 프랑스에서 성공을 거둔 여류 작가 델핀(Emmanuelle Seigner)이 최신작 발표 이후 정체성의 위기를 겪는 가운데 정체 모를 ‘엘(Elle, Eva Green)’이라는 여성을 만나면서 벌어지는 일들을 다룬다. 처음에는 델핀의 삶을 이해하고 지지해 주는 듯 보이던 엘은 점차 집착적인 태도로 변하며 델핀을 정신적으로 교란시키고, 관객에게도 현실과 상상이 뒤섞인 불확실한 서사를 제시한다. 이러한 구성은 폴란스키 특유의 심리적 불안감과 불확실성, 그리고 서스펜스를 극대화하는 장치로 작용한다.

제작 배경을 살펴보면, 폴란스키는 이 작품에서 자신이 평소 관심을 가져 온 ‘정체성과 진짜 이야기의 경계’라는 테마를 계속 탐색하였다. 원작 소설 자체가 자기 고백/픽션 사이의 미묘한 경계를 다루고 있었기 때문에 이를 영화로 옮기는 과정에서 현실과 허구의 경계가 계속해서 뒤섞이게 된다. 또한 폴란스키가 각본을 프랑스 감독 올리비에 아사야스와 공동으로 썼다는 점도 주목할 요소다.

이 영화는 2017년 칸 영화제에서 비경쟁 부문에 공식 초청되어 공개되었으며, 이 사실은 폴란스키가 오랜 경력에도 여전히 국제 영화제의 주목을 받는 감독임을 보여 준다. 그러나 상업적으로는 기대만큼 성과를 거두지 못했으며, 전 세계 흥행 수익이 낮아 박스 오피스에서는 실패작으로 분류되었다.

비평적 평가는 엇갈렸다. 일부 평론가들은 이 작품이 폴란스키의 이전 대표작들, 특히 《로즈메리의 아기》나 《반항》과 같은 심리적 공포 요소를 재해석한 시도라고 평가했지만, 다른 평론가들은 플롯의 구조와 캐릭터 전개의 일관성 부족을 지적하며 평균 혹은 부정적인 평을 내놓기도 했다.

영화는 폴란스키가 그의 2000년대 이후 연출 경향 속에서 계속해서 추구해 온 주제인 정체성, 허구와 현실의 경계, 인간 내면의 불안과 충동을 담아낸 작품으로, 이전 작품들과 비교했을 때 보다 문학적이고 메타픽션적 성격이 강하다는 평가를 받는다.

폴란스키의 영화 스타일과 연출 특징은 그의 감독 경력을 관통하는 핵심적 요소로, 초기 단편과 장편부터 후기 작품까지 일관되게 나타난다[56]. 그는 인간 심리의 취약성과 극한 상황에서의 불안, 사회적 억압과 권력 구조의 모호성을 지속적으로 탐구하며, 이를 시각적·청각적 연출을 통해 관객에게 전달하는 능력을 갖추었다[57]. 초기 작품 《누아르적 단편》과 《혐오》에서 그는 좁은 공간, 빛과 그림자의 대비, 음향과 반복적 소리 효과를 활용하여 주인공의 심리적 붕괴와 불안을 극도로 사실적이고 몰입감 있게 표현하였다[58]. 이러한 연출은 이후 《로즈메리의 아기》, 《차이나타운》, 《피아니스트》에서 더욱 정교하게 발전하였다.

폴란스키의 작품에서는 심리적 서스펜스와 공포, 인간 내면 탐구가 주요한 장치로 활용된다. 그는 사건 자체보다 사건을 경험하는 주인공의 내면과 심리적 반응을 강조하며, 관객이 주인공의 시선과 감정을 공유하도록 연출한다[59]. 이를 위해 카메라 움직임, 공간 배치, 조명과 색감, 소리와 음악 등 모든 영화적 요소가 심리적 몰입을 강화하는 방식으로 조율된다. 특히 폴란스키는 반복적 시각적 상징과 공간 왜곡, 음향 불협화음 등을 활용하여 내적 갈등과 공포를 극대화하였다[60].

사회적·정치적 맥락과 인간 심리 탐구의 결합 또한 그의 영화적 특징이다. 폴란스키는 단순히 심리적 공포를 다루는 데 그치지 않고, 사회적 부조리, 역사적 사건, 권력 구조, 개인과 사회의 갈등을 주제화한다[61]. 《차이나타운》에서는 권력과 부패, 도덕적 모호성을, 《피아니스트》에서는 전쟁과 홀로코스트 속 인간 생존과 정신적 회복력을 탐구하였다. 이러한 주제 탐구는 그의 영화가 단순한 오락적 장르를 넘어, 인간과 사회, 역사적 맥락에 대한 심층적 분석을 포함하도록 한다[62].

또한 폴란스키의 연출 특징 중 하나는 공간과 환경의 극적 활용이다. 그는 좁고 밀폐된 아파트, 도시의 거리, 역사적 공간 등 현실적 배경을 단순한 배경이 아닌 심리적·상징적 장치로 활용하였다[63]. 이를 통해 주인공의 내적 갈등과 사건의 긴장감을 시각적으로 강화하며, 관객이 심리적 서스펜스와 몰입을 경험하도록 한다. 조명과 색감 또한 심리적 상태를 반영하거나 긴장감을 고조시키는 도구로 사용되며, 초기 작품부터 후기 작품까지 일관된 방식으로 발전하였다[64].

폴란스키의 영화는 인간 심리의 취약성과 극한 상황, 사회적·역사적 맥락, 심리적 서스펜스, 상징적 연출, 공간 활용 등 다층적 요소가 결합된 체계로 평가된다[65]. 그의 작품 세계는 초기 단편에서 후기 장편까지 일관되게 이러한 특징을 유지하며, 국제 영화사에서 심리적 서스펜스와 인간 내면 탐구를 결합한 독창적 감독으로 자리매김하게 하였다[66].

폴란스키는 영화사에서 독창적인 감독으로 자리매김하며, 그의 작품과 연출 기법은 현대 영화에 지대한 영향을 미쳤다[67]. 그의 영화적 유산은 인간 심리 탐구, 사회적·역사적 맥락 반영, 심리적 서스펜스와 공포, 상징적 연출, 공간과 환경 활용 등 다층적 요소의 결합에서 비롯된다. 폴란스키는 심리적 긴장과 공포, 인간 내면의 복잡성을 중심으로 사건과 인물의 상호작용을 설계함으로써, 관객이 단순히 이야기를 보는 것이 아니라 사건과 주인공의 심리적 체험을 동시에 경험하도록 하는 연출 방식을 확립하였다[68].

그의 초기 단편과 《혐오》, 《로즈메리의 아기》 등 작품에서 보여진 좁은 공간 활용, 조명과 그림자 대비, 음향과 반복적 소리의 활용은 심리적 서스펜스의 효과를 극대화하는 장치로 평가되며, 이는 이후 심리 스릴러 장르 및 공포 영화 감독들에게 영향을 주었다[69]. 또한 《차이나타운》에서 구현된 복잡한 사건 전개, 인간 욕망과 도덕적 모호성 탐구, 사회적·정치적 맥락의 결합은 느와르 장르와 범죄 영화에 새로운 서사적·심리적 지평을 열었다[70].

폴란스키는 역사적 사건과 개인적 경험을 영화에 결합하는 능력을 통해, 전쟁과 박해, 사회적 억압 등 현실적 주제를 심층적으로 탐구하였다. 《피아니스트》는 홀로코스트와 제2차 세계대전을 배경으로 한 그의 대표작으로, 역사적 사실 재현과 주인공 심리의 결합을 통해 관객에게 강력한 몰입 경험을 제공하였다[71]. 이 작품은 후대 감독들에게 역사적 사건과 인간 심리를 결합하는 영화적 접근의 가능성을 보여주는 중요한 사례로 평가된다[72].

공간과 환경 활용 역시 폴란스키 영화의 중요한 요소이다. 그는 좁은 아파트, 도시 거리, 역사적 건물 등 현실적 공간을 단순한 배경이 아니라 인물의 심리적 상태와 사건 긴장을 반영하는 장치로 활용하였다[73]. 이러한 기법은 심리 스릴러와 공포 영화에서 공간과 환경을 내적 심리와 연관시키는 현대 감독들에게 지속적인 영향을 주었다[74].

또한 폴란스키의 유산은 단순히 연출 기법에 국한되지 않는다. 그는 인간 심리 탐구, 사회적 권력 구조, 도덕적 모호성 등 심층적 주제를 영화적 서사와 결합함으로써, 장르적 한계를 넘어선 예술적 탐구의 모델을 제시하였다[75]. 이는 현대 영화에서 심리적·사회적·역사적 주제를 통합하는 감독들에게 중요한 참고점이 되었으며, 관객과 평론가 모두에게 깊이 있는 영화 경험을 제공하는 방식으로 계승되었다[76].

폴란스키는 심리적 서스펜스, 인간 심리 탐구, 사회적·역사적 맥락 반영, 상징적 연출, 공간 활용 등 다층적 연출 체계와 이를 통한 관객 몰입 경험으로 요약된다[77]. 그의 작품은 단순한 오락적 영화가 아니라, 인간 내면과 사회적 현실을 동시에 탐구하는 예술적 성취로 평가되며, 현대 영화 제작과 연출에 지속적인 영향을 미치고 있다[78].

폴란스키는 그의 작품성과 영화사적 영향력은 높이 평가되지만, 성범죄 혐의와 법적 문제로 인해 그의 명성과 경력 전체가 지속적으로 논란의 중심에 서 있다.

가장 큰 논란의 핵심은 1977년 미국에서 발생한 사건이다. 당시 43세였던 폴란스키는 13세 소녀 사만타 가이머를 모델로 사진을 찍는다는 명목으로 초대해 술과 진정제 성분의 약물을 제공한 뒤 성관계를 가진 혐의로 체포되었다. 그는 처음에는 여러 혐의로 기소됐으나 유·무죄 합의를 통해 미성년자와의 불법 성관계 혐의에 대해 유죄를 인정했다.

재판 과정에서 90일간의 정신 평가를 받도록 선고받았고, 실질적으로는 약 42일을 복역했지만 재판부가 추가적인 실형 선고를 예고하자 1978년 미국을 떠나 프랑스로 도피했다. 이후 미국 법원은 그에게 체포 영장을 발부했고, 폴란스키는 미국으로 돌아갈 경우 체포·기소될 가능성이 계속 남아 있다.

이 사건 이후에도 폴란스키는 추가적인 성 관련 민사소송과 혐의 주장에 직면해 왔다. 2023년에는 한 여성이 1973년 미성년자였을 때 자신이 성폭행당했다고 주장하며 로스앤젤레스 고등법원에 민사 소송을 제기했고, 2024년도에도 관련 보도가 이어졌다. 이 소송은 공소시효 특례를 적용한 민사절차로 진행되었으며, 폴란스키 측은 혐의를 부인했다.

그의 법적 문제는 단순한 과거 해프닝을 넘어 국제법적·윤리적 논쟁을 촉발했다. 미국과 스위스·폴란드 등 여러 국가의 사법 당국 간의 범죄인 인도 문제가 반복적으로 부각되었으며, 인터폴 적색수배가 발부된 기간도 있었다.

폴란스키 사건은 영화계 내부와 사회 여론에서도 큰 논쟁 거리다. 한편에서는 그의 행위를 강하게 비판하며 대중적·법적 책임을 물어야 한다는 주장이 지속된다. 반면, 다른 쪽에서는 그의 과거 트라우마와 예술적 기여를 들어 어느 정도의 관용을 주장하기도 한다. 특히 몇몇 헐리우드 인사들은 폴란스키를 지지하는 입장을 표명하여 논란이 되기도 했다.

또한 폴란스키는 프랑스 등 유럽 영화계에서도 꾸준히 활동하며 작품을 발표해 왔지만, 그의 작품들이 칸·베니스 같은 국제 영화제에 초청될 때마다 논쟁이 되었다. 일부 평론가와 관객들은 작품을 순수 예술적 성취로 평가하는 반면, 다른 비평가들과 사회운동 단체들은 성범죄 혐의를 지닌 감독의 작품 참여를 비판하며 일부 영화제 참여를 거부하거나 비판적 성명을 발표하기도 했다.

이 논란은 단순히 한 개인의 문제를 넘어 예술과 윤리, 법과 도덕의 경계에 대한 사회적 담론으로까지 확장됐다. 로만 폴란스키라는 이름은 그 자체로 위대한 예술성과 파괴적 논쟁을 동시에 상징하며, 향후에도 영화사적 평가와 도덕적 평가 사이의 갈등 속에 지속적으로 언급될 것으로 보인다.

폴란스키의 논란은 단순히 법적 사건으로만 끝나지 않고, 국제 영화계 전반에 걸쳐 그의 작품과 인물 평가에 큰 영향을 미쳤다. 많은 영화인, 영화제, 비평가, 그리고 업계 단체들은 그의 범죄 기록과 예술적 성취 사이의 복잡한 관계를 두고 논쟁을 벌여 왔다.

일부 영화계 인사들은 폴란스키를 천재 감독으로서 인정하며, 그의 과거 범죄에도 불구하고 작품 자체를 평가해야 한다는 입장을 취했다. 이들은 그의 작품 세계가 인간 심리와 사회적 부조리를 깊이 탐구한 예술적 성취임을 강조하며, 폴란스키의 창작 능력과 영화적 영향력을 분리해서 평가해야 한다고 주장했다.

반대로, 다른 측에서는 그의 법적 문제를 영화계가 간과하거나 관용해서는 안 된다고 강조했다. 특히 1977년 사건과 이후 미국 및 국제 사회에서의 도피는, 그의 작품 수용 여부를 둘러싼 윤리적 논란을 지속시키는 계기가 되었다. 일부 영화제와 시상식에서는 폴란스키 작품 초청에 대한 보이콧 운동이 일어나기도 했다.

칸 영화제는 특히 폴란스키 작품 초청과 관련하여 여러 차례 논란을 겪었다. 2002년 《피아니스트》 수상 당시, 그의 수상이 비판과 찬사를 동시에 받으며 영화제 내외부에서 열띤 토론이 일었다. 영화제 관계자들은 작품의 예술적 가치와 감독의 사생활 및 범죄 사실을 구분해 평가하려 했지만, 사회적 여론과 언론 보도로 인해 논쟁은 피할 수 없었다.

폴란스키를 지지하는 일부 감독과 배우들은, 그의 영화적 업적이 예술사적으로 중요한 만큼 개인적 범죄 문제와 작품 평가를 구분해야 한다고 목소리를 높였다. 반면, 피해자 권익과 사회적 정의를 중시하는 그룹에서는 예술계가 범죄자를 보호하는 수단으로 폴란스키를 옹호한다는 비판이 이어졌다.

결국 영화계 내 논쟁은 예술과 윤리의 경계, 개인의 삶과 작품의 가치 분리 문제, 국제 영화제와 사회적 책임에 대한 심도 있는 토론으로 이어졌다. 이는 폴란스키 개인뿐 아니라 영화계 전반이 직면한 도덕적·윤리적 딜레마를 상징하는 사건으로 평가된다.